Les meilleures peintures de la National Gallery de Londres

Vous cherchez quoi voir et faire à Londres et vous êtes amateur d'art ? Bacchus et Ariane du Titien, Vénus de Rokeby de Velazquez, Tournesols de Van Gogh, Autoportrait de Rembrandt, Combattant audacieux de Turner, ainsi que 2 300 autres tableaux et fresques sont actuellement exposés à la National Gallery de Londres.

Fondée en 1824 avec seulement 38 tableaux, elle est devenue le véritable joyau de la couronne avec sa remarquable représentation de ce qui se fait de mieux du 13e au 20e siècle sur le sol anglais. Mais quelles sont ses meilleures œuvres ? Dans cette publication, je partage avec vous les toiles incontourn ables selon les spécialistes, classées par année de création.

Ce chef-d'œuvre de Jan van Eyck est l'une des œuvres les plus énigmatiques de l'histoire de l'art. Au XVe siècle, les portraits en pied étaient rares, et celui-ci représente non pas une, mais deux personnes : le "mariage Arnolfini".

Ce n'est pas un portrait ordinaire, c'est un chef-d'œuvre ! Et avec une histoire chargée de voyages, de vols et de pillages, c'est Ferdinand VII qui l'a récupéré et l'a offert à l'Angleterre. Cette peinture a fait l'objet de centaines d'interprétations quant à son symbolisme. C'est l'une des représentations les plus convaincantes des gens de l'époque, au sein de leur maison, qui démontre la maîtrise de la lumière et de l'ombre de Van Eyck, ainsi que son souci du détail.

Cette peinture est l'un des joyaux de 30 musées parmi les plus célèbres au monde et vous pouvez admirer l'œuvre dans la salle 28 de la National Gallery de Londres.

Paolo Uccello était un peintre de la Renaissance connu pour son utilisation de la perspective et du raccourci, ainsi que pour sa capacité à capturer des détails complexes dans ses peintures. En témoigne cette œuvre : La bataille de San Romano, l'une des 100 meilleures peintures de Londres selon TimeOut.

Elle dépeint une bataille entre des soldats florentins et siennois. Les Florentins ont remporté la bataille, mais le cheval de Tolentino a été peint avec tant de détails qu'il semble charger vers le spectateur.

Les trois panneaux représentant la bataille auraient été commandés par la famille Médicis, qui les a conservés jusqu'aux derniers jours de Laurent de Médicis, en 1492.

Le Doge Leonardo Loredan de Giovanni Bellini est l'une des œuvres les plus importantes de la Renaissance italienne. Elle a été peinte en 1501, alors que Venise était au sommet des capitales européennes et que les Bellini conquéraient la scène artistique. C'est un parfait exemple de l'union entre l'art et le pouvoir à cette époque.

Le tableau représente le doge ou "magistrat suprême" de l'oligarchie qui gouvernait Venise. Les traits de l'homme sont immobiles, à l'image de la toute puissance romaine. La lumière anime toute la surface, en particulier les damas ostentatoires de fils d'or et d'argent provenant de l'actuelle terre turque.

En regardant le tableau de plus près, on découvre les différentes couches de peinture à l'huile qui composent son relief, car pour Bellini, les jeux d'ombre et de lumière étaient plus importants que la forme, comme le note l'historien allemand Robert Suckale dans son livre "The Masters of Western Painting" (Les Maîtres de la peinture occidentale).

La Vierge aux œillets de Raphaël Sanzio est l'une des œuvres les plus importantes de cette période de la Renaissance italienne. La composition a été inspirée par une œuvre de Vinci intitulée ** Madonna Benois**, et le résultat est l'une des 10 œuvres incontournables de la National Gallery de Londres selon les spécialistes d'Art & Auctions.

Dans cette peinture, Raphael Sanzio représente la Vierge Marie jeune et belle, avec une expression détendue comme symbole de sa proximité avec l'humanité. Elle porte une robe élégante à larges manches et un manteau de fourrure sur les épaules. La main droite de la Vierge est posée sur ses genoux et elle tient un œillet ou un bouton de rose devant sa poitrine, ce qui a valu à cette peinture le surnom de "Vierge aux roses".

Plus connue sous le nom de "Madone des rochers", cette peinture est mystique, tant par son œuvre que par son auteur. Il existe deux tableaux portant le même nom. La première date de 1486 et est exposée au musée du Louvre. La seconde version a été peinte dix ans plus tard et est exposée dans la salle 9 de la National Gallery de Londres.

Selon les conservateurs, le récit central du tableau tourne autour d'une Vierge à la peau pâle qui vient d'émerger d'une grotte. Sa signification ? Deux théories se sont imposées. La première indique que la Vierge bénit l'humanité qui sort de ces murs. La seconde s'oriente vers une vision plus humaniste.

Beaucoup d'entre nous ont été enfermés dans des grottes parce qu'ils se sentent à l'abri de tout ce qu'ils ne veulent pas voir (ou sentir), un peu comme dans le mythe de la caverne de Platon. Mais quelle est la bonne théorie est l'une des nombreuses énigmes à déchiffrer dans le code da Vinci.

Et à ce mystère s'ajoute la possibilité que Giovanni Ambrogio de Predis, l'assistant de da Vinci, ait pu être l'auteur matériel de l'œuvre. Pour l'instant, cette peinture fait partie des 20 tableaux les plus visités de la National Gallery de Londres.

Bacchus et Arianede Titien Vecellio est une superbe peinture à l'huile représentant Bacchus, le dieu romain du vin, et sa folie à la recherche de son amante perdue, Ariane. Le tableau a été réalisé en 1523 pour Alfonso I d'Este, duc de Ferrare, dans le cadre d'une commande d'une série de fresques et de peintures mythologiques pour le Camerino d'Alabastro.

Il est intéressant de noter que, tandis que le spectateur amateur est distrait par l'harmonie des couleurs utilisée par Titien, sur le côté gauche, l'habile peintre recrée l'origine mythologique de la Constellation boréale, étant donné que le cadeau de mariage de Zeus consistait à transformer la couronne de la mariée en ce groupe d'étoiles.

Pour voir cette œuvre d'art en détail à la National Gallery de Londres, rendez-vous à la salle 10.

Van Rijn Rembrandt est au sommet de sa carrière lorsqu'il peint l'Autoportrait à l'âge de 34 ans. Il était le peintre le plus célèbre de Hollande et, en tant que tel, il côtoyait des cercles sociaux exclusifs.

L'artiste donne l'image d'un noble de haut rang, au caractère imposant, à la grande richesse et au pouvoir que lui confèrent ses dons artistiques et humanistes, sans oublier que la fortune lui a souri après son mariage avec sa cousine Saskia. En effet, 29 ans plus tard, après la mort de Saskia, dans son Autoportrait à l'âge de 63 ans, l'empreinte est loin de l'original.

Rembrandt était un spécialiste de la représentation des traditions de la haute société, en particulier dans les portraits de groupe, et sa contribution à l'art baroque est saluée sur la scène internationale, comme le confirme le célèbre sculpteur Auguste Rodin, par exemple.

Une femme est allongée sur le dos, enveloppée dans une fine soie. Elle est pâle et lumineuse, avec des cheveux sombres et bouclés. Ses yeux sont fermés et Cupidon tient un miroir devant son visage. Qui est-elle ? Les experts n'ont pas déchiffré exactement l'énigme, mais il est certain que l'œuvre appartient au maître espagnol de la peinture baroque, Diego Velázquez.

Cette peinture à l'huile semble suivre dans ses courbes la personnification de l'amour. Vénus au miroir est le seul nu conservé du peintre sévillan et l'un des tableaux les plus intéressants consacrés à la féminité. Peint peut-être lors du deuxième voyage de l'artiste en Italie, il nous surprend en montrant Vénus de dos. Dans la main du dieu espiègle, un miroir ne reflète que les contours du modèle.

Le visage de cette déesse n'intéresse guère l'artiste qui, coup de pinceau après coup de pinceau, parcourt le "Rokeby"; c'est essentiellement la beauté féminine qu'il souhaite représenter. Admirez cette peinture de près dans la salle 30 de la National Gallery de Londres.

La traduction de ce tableau est assez controversée, certains l'appellent Jeune femme debout devant une épinette, d'autres Jeune femme debout devant l'épinette, d'autres Jeune femme assise devant la Vierge, et enfin une version abrégée l'appelle Dame assise devant la Vierge, mais quoi qu'il en soit, il s'agit d'une œuvre sublime portant la signature de Johannes Vermeer.

Ce tableau est un excellent exemple de la peinture hollandaise du Siècle d'or. Le maître de la lumière et du silence est connu pour son utilisation de la couleur, la sérénité de ses œuvres ainsi que son travail sur l'ombre et la lumière, comme ici, où il a consciemment réduit sa palette pour contraster les textures.

Le tableau le plus célèbre de Johannes Vermeer est "La jeune fille à la boucle d'oreille", tel qu'interprété par Scarlett Johansson et Colin Firth dans le film du même nom en 2003. Cependant, ce tableau figure parmi les 20 œuvres les plus visitées de la National Gallery de Londres, selon le rapport de la galerie.

Le chariot de foin, également appelé "The Hay Wagon", est arrivé en deuxième position des plus beaux tableaux de la National Gallery de Londres lors d'un sondage réalisé par la BBC, bien que son histoire ait été troublée à ses débuts.

Avec une représentation exquise d'une scène entre le Suffolk et l'Essex, Constable montre clairement pourquoi il est considéré comme l'un des précurseurs de l'Impressionnisme.

Malgré sa vision révolutionnaire et la médaille d'or qu'il a remportée à Paris pour ce tableau, il a fallu attendre cent ans pour que l'œuvre de Constable soit appréciée en détail, mais vous pouvez l'admirer dans la salle 34 de la National Gallery de Londres.

Cette peinture est un exemple étonnant de la maîtrise de la lumière et de la couleur par Joseph Mallord William Tur ner. La scène qu'il dépeint porte autant sur le coucher de soleil que sur le bateau : il s'agit d'un coucher de soleil quatre fois plus grand que la réalité, avec en toile de fond un ciel si flou qu'il semble presque être une illusion. Dans le meilleur style romantique, ce paysagiste expert enregistre dans son œuvre les jours de gloire des voiliers, tout en rappelant la fin de leur âge d'or.

Le navire remorqué sur la Tamise s'appelle "The Daredevil" et arrive à sa destination pour être démantelé après la bataille de Trafalgar en 1805. Le remorqueur qui le remorque a une silhouette sombre au premier plan. L'artiste n'avait pas l'intention de faire une réplique exacte de l'original, mais plutôt de refléter la nostalgie et la perte liées au passage de l'ère agricole à la révolution industrielle. Il a marqué une étape importante de l'histoire en dépeignant ce qu'il a vu.

À la veille de la célébration du 200e anniversaire de la National Gallery de Londres, une enquête a été menée pour déterminer la meilleure œuvre de la galerie parmi les critiques et les visiteurs. Cette peinture a été retenue et vous pouvez la voir dans la salle numéro 34.

Même si les musées ont diminué le nombre de visiteurs en bas âge, les Tournesols de Van Gogh ont fait tellement de bruit qu'une visite de la salle 43 de la galerie en question vaut la peine d'être notée comme l'une des choses à faire à Londres avec des enfants. Pensez-y, il existe même des expériences immersives parmi les œuvres du peintre néerlandais qui ravissent les plus petits, et il s'agit de l'une de ses trois œuvres originales avec 15 tournesols dans le monde.

La nature morte aux tournesols est un tableau curieux, la présence intense du jaune, facteur de différenciation du peintre, se fait remarquer, tout comme sa structure et sa signature presque illisible près d'une délicate ligne bleue, plus typique de l'artisan qui a fabriqué le vase que du cofondateur du post-impressionnisme. Quand on voit Les Tournesols, on se rend compte qu'il ne s'agit pas seulement d'un vase et de tournesols. C'est Vincent.

Vincent van Gogh, dans sa quête pour devenir un disciple de Paul Gauguin, a créé cette série de peintures pour l'impressionner, mais l'histoire s'est rapidement assombrie, laissant le père de l'art moderne embourbé dans la tristesse et la folie jusqu'à la fin de ses jours, à l'âge de 37 ans seulement.